miércoles, 12 de febrero de 2014

Way Down East (1920)

Cuando se trata de aprender acerca de algo que me llame la atención, me gusta dirigirme al inicio a ver que encuentro. Durante el periodo de "inicios del cine" vi las típicas películas, disfruté de Méliès y Porter, vi los bucles de Pickford, leí sobre las vidas de las Talmadge, pero hubo una actriz y un director que me hipnotizaron: Lillian Gish y David Wark Griffith; Gish me cautivó con su delicada belleza y tremendo talento al actuar y mantener una carrera durante casi ochenta años.

Casi etérea ¿no es así? Imagen Via

Respecto a Griffith ¿Qué puede decirse que no se haya dicho ya? un genio de su generación, el padre del cine como lo conocemos hoy, sus innovaciones en sus planos y estilos de filmación que van desde historias épicas hasta aquellas llenas con toques de melosería, siguen observándose en las películas de la actualidad.

Griffith (sentado con sombrero y traje), genio y figura hasta su olvidada sepultura. Imagen Via

Digo "toques de melosería" porque Griffith siempre tuvo una tendencia a la sensibilidad, demasiada en algunos casos, las cuales podían aparecer en los intertítulos o en una película completa, como es el caso de "Way Down East" que podría llamarse la madre de los melodramas. En este filme, Griffith y Gish nos presentan la historia de una mujer, Anna, que por su ingenuidad termina cayendo en la desgracia para después encontrar a su verdadero amor, una historia para nada pretenciosa, pero no por ello presentada de manera mediocre.

¡Filmar en los veintes no era cosa fácil! Imagen Via

En Way Down East, Anna (Gish), una chica de campo, debe de ir a pedirle ayuda a su familia en la ciudad para seguir adelante con su madre, pero termina casándose con un hombre rico llamado Lennox (Lowell Sherman) en una boda falsa,quien termina abandonándola con su hijo. La vida de madre soltera y la pobreza terminan siendo demasiadas para Anna, ya que pierde a su bebé debido a una enfermedad, todo esto hace que Anna huya de su vida anterior y vague por diversos lugares. Tiempo después la joven encuentra trabajo en la granja de la familia Bartlett, cuyo hijo David (Richard Barthelmess) empieza a interesarse en ella.

imagen Via

Las aproximaciones de David hacen que Anna sienta la necesidad de contarle su historia, pero al hacerlo él la rechaza. Con su corazón roto, y por cosas del destino Anna vuelve a enfrentarse a Lennox, quien llega al hogar de los Bartletts persiguiendo a una muchacha con las mismas intenciones que tenía al casarse con Anna, que promete no revelar su pasado al resto de la familia.

Por culpa de las chismosas del pueblo, el patriarca de los Bartletts descubre el pasado de la pobre muchacha. Anna es expulsada de su nuevo hogar, no sin antes presentar al verdadero Lennox y desaparecer en la nieve (si duda del talento de algunas de las actrices de la época, por favor vea esta escena). David, al descubrir todo esto decide ir en su búsqueda, durante el clímax de la película , en una secuencia emocionante, encuentra a Anna  antes de morir en el agua helada, la rescata y en menos de dos minutos todos son felices para siempre.

Ahh...el amor. Imagen Via

Si bien tiene una trama casi de telenovela, de aquellas que tanto apreciaba Griffith y que no cala en el público actual, tiene momentos que vale la pena rescatar, la manera en la que captura el paisaje rural a través de su lente, el clímax de la película, que es un triunfo para los filmes de inicio de siglo, ya que fue grabado sin efectos especiales y quedó perfecto.


De acuerdo con Gish, luego de filmar esta escena, tuvo dolores en la mano de por vida. Imagen Via

Vale la pena verla por lo menos una vez, obviando las tendencias predicadoras y moralistas de las tarjetas de Griffith y dejarse llevar  por los paisajes y las actuaciones, por escenas llenas de belleza o ternura, desde gatos soñolientos hasta el final feliz que hace sonreír al corazón. La recomiendo completamente, como ya dije : Worth the watch! 




domingo, 10 de marzo de 2013

Primera Edición de La Claqueta


El cine clásico y  la historia de este arte en Colombia merecen ser más conocidos, bien sea por los medios masivos o por los alternativos, como este blog que además de ocuparse de hablar acerca de conciertos de hace dos años y de publicidad de inicios del siglo pasado, también se ha preocupado por tocar el tema de la interpretación de ciertas películas clásicas y la era dorada del cine estadounidense en general, por esta razón decidí que la primera edición de este periódico tocara temas en los que el cine es su principal componente, me agrada la idea de que con el tiempo esto se transforme en algo habitual y mejor aún, que se componga de artículos escritos por mí en su totalidad (en este caso escribí tres contando la editorial) o de más personas que se interesen por estos temas.
Así que ¡Aquí está! todas las críticas son bienvenidas.


lunes, 10 de diciembre de 2012

So much music so little time

Hace dos años vino una de mis bandas favoritas a Rock al Parque , ya sé que fue hace mucho pero como dije dos días después de verla "no puedo sacar las canciones y las sensaciones de mi cabeza"...bueno, han pasado no sé cuantos meses, días, horas, minutos y segundos desde entonces y esos recuerdos siguen vívidos y hacen que sonría sola, incluso en el transmilenio al escuchar sus canciones en el mp3.

La banda a la que me refiero es Mutemath, quienes tuvieron su primera experiencia frente a un publico latino tocando en "el festival gratuito más grande de latinoamérica", para ese entonces ya habían sacado dos álbumes maravillosos, que yo había devorado en el trascurso de 10 meses, pero con los que me obsesioné cuando supe que vendrían.

Llegó el 5 julio , llegué al Parque Metropolitano Simón Bolívar a las ocho de la mañana casi sin desayunar, con un dolor de estómago  de esos que hace que uno no quiera levantarse de la cama y con una apariencia de zombie estilo "Amanecer de los Muertos" (sin mentir), esperé a que abrieran junto a un amigo mío y el mejor amigo de este, un chico que con el tiempo he llegado a considerar mi hermano musical. 

Escuchamos bandas y cantantes que no nos convencían para nada, reafirmamos nuestra poca fe en los organizadores, la hermosa lluvia nos bañó hasta los huesos; entre decenas de personas hicimos una cubierta con plásticos para protegernos del agua pero la desarmamos para poder ver a Zoé, estuvieron geniales ¡León suena igual en vivo! eso siempre es un "plus". Escucharlos fue el elevador de moral que necesitábamos para esperar a los señores de Nueva Orleáns. Siguieron otras bandas y la ansiedad iba creciendo, hasta que por fin llegaron las seis de la tarde, El Sinsentido bajo de la tarima (gracias a Dios), se apagaron las luces...después de varios minutos, Paul y los demás saludaron y empezó el show.

Como si fuera el efecto de un placebo, mi dolor de estómago y de cabeza por falta de almuerzo e indigestión de varios días desaparecieron entre un montón de gritos,pisotones, empujones y sensaciones de piel de gallina desde el momento en el que Paul dijo "tocaremos unas canciones viejas y otras nuevas" pasando por cada canción, especialmente durante "Noticed" y "Typical" en las que fui feliz y canté a pulmón herido; pero el momento en el que la emoción floreció y las lágrimas casi empiezan a fluir llegó con "You are Mine", la canción con la que los conocí, recuerdo la noche en la que la escuché por primera vez. Quedé estupefacta, paralizada durante cuatro minutos de pura perfección, luego estallé en más gritos, la espera de ocho horas valió la pena. 

El resto del concierto no declinó en calidad, basta con decir que todas aquellas sensaciones me asaltan en cualquier momento y muchas de las imágenes están impresas en mi retina...y pensar que iba a irme por que no aguantaba el dolor de estómago ¡de lo que me habría perdido!

Ese día ha sido uno de los mejores de mi vida, conocí a una persona genial, con la que comparto una buena parte de mi gusto musical, y el amor que siento por la música aumentó a más de 8000 (if you know what I mean!). 

Pocas veces he visto a una banda así, Mutemath fue la sorpresa del festival, la mayoría de personas parecían no conocerla, una hora después, estaban casi que enamorados de ella, this is what music is about right? para  después ver que el acto principal tuvo una presentación  decepcionante ¿quién lo esperaría?

Quiero que vuelvan ¡y que toquen por más de dos horas si es posible! e iría de nuevo con el par de acompañantes que tuve ese día, cruzo los dedos para que toquen la canción que quedaron debiendo "Clipping".

El estado zombie no me permite escribir más, así que solo diré...como el título del libro que tanto odio ¡que viva la música! total es cierto , que viva .



miércoles, 28 de noviembre de 2012

De la pubicidad, la sociedad y los documentos de cultura


La publicidad de principio de siglo es ahora vista como una obra de arte, por el uso de los colores y los estilos  de las fotografías e ilustraciones utilizados , también son testimonio de la cosmogonía de la época, junto a rasgos como lo era la vida cotidiana. En este caso el racismo presentado en esta publicidad de las cremas  Palmolive.

Propaganda de Palmolive .Circa 1916
(tomado de Vintage Ads.)


Esta imagen inocentemente racista, y digo inocentemente, porque tiene una intención ofensiva; pero el contenido de la imagen a los ojos de nuestros tiempos, la condena de una forma u otra. ya sea por el carácter  de exagerada servidumbre del personaje afrodescendiente, que se postra a los pies de la mujer blanca que ostenta un aire de realeza; esa posición superior que ocupa en el plano la imagen de la mujer de raza blanca, que se encuentra de pie, y según el anuncio es una princesa, como por el punto inferior izquierdo que ocupa el personaje negro, que además está bastante sumiso; como por la manera como estos personajes están vestidos y adornados según su jerarquía, volviendo así sobre la misma intención de lo blanco sobre lo negro.

aun así la aceptación social de esta clase de imágenes racistas, lejos de perpetuar algún infame propósito, sirven como un manifiesto de la sociedad de la época, esta publicidad es un registro claro del grado de tolerancia de los individuos hacia la discriminación racial.

Las caracterizaciones en Amanecer

Ya había tocado el tema de la representación de las flappers en el cine en una entrada anterior , la imagen de Lulu , como la encarnación de la maldad, pues bien "Pandora's Box" no es la primera película en tomar la imagen de la mujer de la época.

Imagen: (GoneMovie)


Dos años antes en "Amanecer: una canción de dos Humanos" , aparece "La Mujer de la Ciudad" , quien visita e pueblo en el que vive la tranquila pareja de esposos, como ya lo he mencionado , la mujer se convierte en un ser destructor de la relación. Uno de los factores a tener en cuenta , es que la mujer de la cuidad es la encarnación de la mujer moderna, es una flapper , esto es fácil de determinar por la conducta y atuendos que la caracteriza , el corte de cabello al estilo 'bob' más su hábito de fumar y maquillarse en público. 

"La mujer de la ciudad a la espera de la llegada del "esposo"
(imagen:Translatable Images


Aparte de esto , la representación de la mujer de la época tiene una connotación maligna, solo con observar el momento del día en el que trascurre la primera escena en la que tiene un rol significativo, es de noche, lo que da un halo de misterio a la mujer quien se convierte en la autora intelectual del asesinato de "la esposa" , sugiriendo que podría ser ahogada para así vender la granja e irse con el esposo hacia la ciudad. En esto se ve el rechazo de la mujer hacia el campo, lo hace notar en actos tan pequeños como el arrojar una flor mientras espera al "esposo",junto a la idealización de la ciudad que le describe al hombre para así convencerlo de cometer el crimen, una ciudad en la que siempre hay fiestas y diversión. 

El hobre sucumbe ante los encantos de la mujer de la ciudad
(imagen: silentfilm.org)
El contraste de colores entre la amante y "la esposa" generan una fácil diferenciación entre los roles, además de funcionar también como base para comparar al campo con la ciudad , este idealismo hacia la ciudad es una manifestación hacia la alegría de los Roaring Twenties , sin pensar en lo que ocurriría dos años después , ambas partes se ven altamente apreciadas en la película, el campo como un lugar perfecto para la relajación y una vida calmada, onírica, y a la ciudad como el lugar perfecto de esparcimiento y modernidad.

La falta de nombres para los personajes y la ubicación geográfica, hacen que la historia pueda ubicarse en cualquier zona del mundo, aumentando el valor del mensaje de la película, que aboga por la redención y la fidelidad.A partir de una historia aparentemente sencilla , pero que fue llevada a la pantalla grande de una forma primorosa , haciendo que siempre al verla nos encontremos con nuevos detalles.


Del pecado a la redención


Hace poco más de una semana , vi "Amanecer: una Canción de Dos Humanos" ,película dirigida por F.W Murneau en 1927 ,fue como observar a una orquesta , todo caía en su lugar y daba como resultado una película casi que perfecta, que comunica su mensaje a través del simbolismo con una intención aleccionadora.

Publicidad original de la película
(tomado de Wikipedia)


La película nos presenta a una pareja de granjeros,quienes son conocidos como "el esposo" y "la esposa", viven alejados de la ciudad por un lago , el hecho de jamás usar los nombres de las personas en el film muestra la intención de relacionarlos con los espectadores, dando la sensación de que la historia puede presentarse en cualquier parte del mundo.

La vida de la feliz pareja es interrumpida con el viaje de "la mujer de la ciudad" al campo, quien se transforma en la amante del esposo que empieza a ignorar a su mujer, su hijo y a la granja.

En uno de sus encuentros nocturnos, la mujer de la ciudad le dice al hombre que sería buena idea el ir a vivir juntos de la ciudad después de ahogar a su esposa, a lo cual el hombre responde con furia que después de un momento deriva en pasión, el hombre regresa resuelto a su casa e invita a su mujer a un paseo en bote al día siguiente...

Se preguntarán porque hago un breve resumen del inicio de la película y me detengo aquí, bueno ,lo hago porque analizaré una de las mejores escenas del cine mudo desde uno de mis campos favoritos : el lenguaje corporal y con algo del simbolismo de ciertos objetos.



En un principio la esposa , está feliz admirando el paisaje y observando enamorada a su esposo , feliz porque al parecer tendrá lugar una reconciliación, en contraste , el rostro de su esposo , quien se ocupa de remar con mas esfuerzo que el normal y se encuentra encorvado hacia el frente como si estuviera cargando con su culpa en su espalda, la mujer empieza a sospechar. En el momento en el que se encuentran en medio del lago , el esposo deja de remar y se aproxima a una esposa cuyo temor aumenta  a medida que el hombre se aproxima a ella.


Los movimientos de este son mecánicos, mostrando que es presa de un instinto asesino nato, el rostro no muestra ningún sentimiento de temor o de posibilidades de arrepentimiento, al levantarse se mantiene encorvado , revelando tensión y una actuar sistematizado de asesinar a su mujer.

 La esposa trata de protegerse aproximándose a una esquina del bote siguiendo a su instinto de conservación.  A su vez, ruega por su vida entrelazando sus manos enfrente de ella y moviendo su rostro con una expresión que busca la misericordia de su esposo. A ultimo momento, el esposo se detiene mientras acerca sus manos hacia ella, se da vuelta y se sienta entre los remos y se dirige hacia la  orilla del lago remando a toda velocidad , como queriendo huir del recuerdo del intento de asesinato.

La esposa cubre el rostro con sus manos con el mismo propósito, sin poder creer todo lo que ha sucedido en tan poco tiempo, la pareja se encuentra confundida por lo que pasó.

La tensión de esta escena se refleja en otros factores aparte de las actuaciones de los actores , el sonido de las campanas al inicio , señala que el esposo ha comenzado con su plan ,más el uso de las mismas de y de música en el momento en el que el hombre se apresta a empujar a la mujer del bote proporcionan una sensación de clímax, ya que esta es una de las escenas más importantes de la película. 

El uso de ciertas imágenes pueden dar lugar  una interpretación mas profunda , todo apunta hacia la vulnerabilidad de la esposa; el momento en el que observa a las aves volar de repente , aparentando huir del peligro , cosa que la mujer obviamente por su ubicación no puede hacer, el lago representa un lugar sin salida, la mujer esta condenada a morir sin embargo aparece la redención ,el esposo se arrepiente de la idea de asesinar a su muer y la lleva a un lugar donde estará a salvo de sus impulsos.

En esto puede resumirse la intención de Amanecer, la redención desde el pecado, la sobre posición a la tentación representada a través de la  oscura figura de "la mujer de la cuidad" y el regreso a la tradición representada en la dulce esposa y la tranquilidad de la vida del campo.


tomado de 1 Frame Per Second